Buen Vestir

El marqués bailarín. Henry Cyril Paget

2012-01-24T17:02:00.000-03:00

Henry Cyril Paget, quinto Marqués de Anglesey (1875-1905), personaje del ruidoso fin de la era victoriana, vivió su corta vida desperdiciando la gran fortuna que había heredado.

Vástago de una familia militar, su bisabuelo, el primer marqués de Anglesey, obtuvo su título después de perder su pierna derecha en la batalla de Waterloo.

Su madre se había alejado de la cama matrimonial para tener un affaire con el extravagante actor francés Benoit-Constant Coquelin. El joven Henry fue criado en París y a los ocho años fue llevado a vivir a la mansión de estilo gótico de Anglesey, en el norte de Gales, que heredó a los 23 años.

En enero de 1898 se casó con su bella prima Lillian Florence Maud Chetwynd. Lily era hermosa, con ojos de color verde y rojo y dorado cabello, como si acabara de salir de una pintura prerrafaelista.

En pocas semanas Henry reunió una importante colección de joyas y cubrió a su mujer de esmeraldas y diamantes, hipotecando su fortuna, pero el matrimonio (no consumado) no duró mucho y se divorciaron en 2 años. La ruptura le dio a Henry más libertad para disfrutar de su estilo de vida auto-indulgente.

Las perlas estaban en el centro de la elaboradísima estrategia que desplegaba para vivir en un estilo de altísima teatralidad, estilo que requería innumerables joyas extraordinarias y trajes delirantes.

Le gustaba ver sus esmeraldas, rubíes y diamantes sobre su cuerpo desnudo, derramando su fortuna en Van Kleef, Arpels, y otros joyeros de clase alta. Llevaba decenas de anillos en sus dedos largos y delicados. Vestido con ropa extravagante, su figura esbelta podía ser vista caminando por el centro de Londres.

Utilizó su extensa fortuna para comprar joyas y pieles, y para hacer fiestas extravagantes y actuaciones teatrales. Convirtió la capilla de la casa de campo de la familia en Plas Newydd en un teatro de 150 asientos, llamado el “Teatro de la alegría”. Allí tomó el papel principal lujosamente ataviado, en producciones que iban desde la pantomima hasta la comedia. Las actuaciones fueron, en primer lugar, por delante de los criados, pero luego contrató a una compañía profesional de teatro de Londres. Se reservó una parte pequeña pero colorida para sí mismo, un baile exótico, sexy y sinuoso como una serpiente, que requería cambios constantes de trajes de seda de brillantes colores, joyas turquesas, diamantes y un tocado de plumas de avestruz, ganándose el mote de “el marqués bailarín”. Durante tres años llevó a su compañía de gira por Gran Bretaña y Europa: cincuenta personas y cinco camiones cargados de maletas, vestuarios y toda la parafernalia teatral. Pero el coste de estas actividades fue enorme, sus acreedores lo persiguieron y el marqués tuvo que declararse en bancarrota en 1904.

Su vestuario de lujo, especialmente su batas de Charvet , y las joyas fueron vendidas para pagar sus deudas. En el castillo, los síndicos designados por sus acreedores encontraron cofres de tesoros de perlas y la mayor colección del mundo de bastones con incrustaciones de amatistas y esmeraldas. Todo salió a la venta en lo que fue la subasta del siglo, con una duración de 40 días. Hasta los perros del marqués se vendieron - su chows, pugs, collies y terriers. Lo mismo hicieron con los caballos, coches, carros y yates.

En 1905 a los 30 años, Henry Cyril Paget murió de pleuresía en Monte Carlo tras una larga enfermedad, con su ex esposa a su lado.

Descíframe, mi amor, o me veré obligada a devorarte

2012-01-19T20:52:00.001-03:00

...

era hora de vestirse: se miró en el espejo y sólo era linda por el hecho de ser una mujer: su cuerpo era fino y fuerte

...

eligió un vestido de tela gruesa a pesar del calor, casi sin modelo, el modelo sería su propio cuerpo pero (...)

arreglarse era un ritual que la preocupaba: la tela ya no era un mero paño, se transformaba en material y era ese género que con su cuerpo daba cuerpo -¿cómo podía una simple tela ganar tanto movimiento? su pelo lavado a la mañana y secado al sol en el pequeño patio parecía de seda castaña antigua- ¿linda? no, mujer

entonces se pintó cuidadosamente los labios, los ojos, lo que hacía, según una amiga, muy mal, se pasó perfume por la frente y en la comisura de los pechos...

... perfumarse era de una sabiduría instintiva, que venía de milenios de mujeres aparentemente pasivas aprendiendo, y como todo arte, exigía que tuviese un mínimo de conocimiento de sí misma...

perfumarse era un acto secreto y casi religioso.

-¿usaría aros? dudó, ya que quería orejas delicadas y simples, algo modestamente desnudo, dudó más: riqueza aún mayor sería la de esconder con el pelo las orejas de ciervo y volverlas secretas, pero no resistió: las descubrió, estirando el pelo para atrás de las orejas incongruentes y pálidas: ¿reina egipcia? no, toda adornada como las mujeres bíblicas, y había también algo en sus ojos pintados que decía con melancolía: descíframe, mi amor, o me veré obligada a devorarte, y...

Clarice Lispector

Un aprendizaje o El libro de los placeres

Marion Morehouse

2012-01-14T12:32:00.000-03:00

Mientras que "el modelo como musa" cubre el período que comienza después de la Segunda Guerra Mundial, podría decirse que la primera "top model" surgió en la década de 1920.

Marion Morehouse - la futura señora e. e. cummings - saltó a la fama fotografiada por Edward Steichen para las revistas Vanity Fair y Vogue.

Modelo y también fotógrafa, conoció al poeta, pintor, ensayista y dramaturgo estadounidense en 1932 y aunque no está claro si los dos estuvieron alguna vez legalmente casados, vivieron juntos hasta la muerte de Cummings en 1962. Ella murio siete años más tarde en el apartamento de Greenwich Village que habían compartido.

"The greatest fashion model I ever photographed was Marion Morehouse. When she put on the clothes that were to be photographed, she transformed herself into a woman who really would wear that gown".

Edward Steichen

Conseguid un buen diseñador y sed felices! Irene Gibbons

2011-12-18T16:31:00.002-03:00

Irene Lentz Gibbons pasó los primeros 16 años de su vida en el rancho de su padre en Montana. Fue a la escuela de diseño y luego abrió una modesta tienda de ropa en Los Angeles. Un día, por casualidad, entró allí Dolores del Río y quedó asombrada por la altísima calidad del trabajo de Irene.
La actriz compró varios vestidos e informó a sus amigas acerca del lugar. Inmediatamente Irene se puso de moda.
En 1936, se casó con el guionista Eliot Gibbons, hermano de Cedric Gibbons, celebre director artístico de la MGM. Muy pronto Irene abandonó su sencilla tienda para dirigir el lujoso salón de Bullock´s Wilshire en el centro de Los Angeles. En 1938 Irene ya diseñaba trajes para películas, por encargo de Universal.

En 1941, Adrian, el genial jefe de diseñadores de moda de la MGM, declaró que estaba hasta las narices del estudio. Durante años nadie había impuesto límites al presupuesto de las extravagantes creaciones de vestuario para las más sofisticadas estrellas. No obstante, en los últimos tiempos, había recibido el encargo de vestir a Greta Garbo de un modo más parecido al de la mujer media norteamericana, y los ejecutivos de la corporación habían empezado a limitar sus presupuestos. Adrian abandonó la MGM para abrir su propio salón de costura.

Así, Irene dejó Bullock´s Wilshire para ocupar el puesto de Adrian como diseñadora ejecutiva de la MGM.

Con los años, Irene crearía hermosos vestidos para Marlene Dietrich, Elizabeth Taylor, Claudette Colbert, Hedy Lamarr, Judy Garland, Lana Turner y muchas más; sus creaciones souflé se hicieron célebres.

Posteriormente trabajó en varios films de Doris Day. La actriz y la diseñadora se hicieron amigas. Day se dio cuenta de que Irene, generalmente nerviosa e introvertida, bebía demasiado y veía poco a su marido. Un día le confesó a Day que estaba enamorada de Gary Cooper y que era el único hombre al que habría querido en su vida. Cooper murio en 1961.

El 15 de noviembre de 1962, Irene alquiló una habitación en el Hotel Knickerbocker de Los Angeles bajo un nombre falso.

Se cortó las venas. Como la muerte tardaba en llegar saltó por la ventana desde el decimo cuarto piso.

Se encontró una nota que decía: "Lo siento. Esto es lo mejor. Conseguid un buen diseñador y sed felices. Os amo a todos. Irene"

Hollywood Babilonia

Kenneth Anger

Top hat

2011-12-09T12:45:00.001-03:00

El sombrero de copa, llamado galera en Argentina, Uruguay, Chile y Paraguay, o chistera en España, es un tipo de sombrero alto con la cima plana y el ala amplia usado por los hombres a lo largo del siglo XIX y comienzos del XX.

Confeccionados con fieltro atiesado o piel de castor y más adelante, debido a la influencia de príncipe Alberto de Inglaterra, en seda.

La historia cuenta que un sombrerero inglés, un señor John Hethering en 1797 provocó un motín en la calle y fue multado con la suma considerable de £ 500 por perturbar la paz usando un sombrero de copa. Esto ha sido demostrado como un mito y se dice que la persona que realmente inventó el sombrero de copa fue el francés Antoine Gibus, quien en 1812 tuvo una idea revolucionaria gracias a un ingenioso sistema de muelles de acero fino que permitían aplanar el cilindro de la copa con la simple presión de la mano.

Independientemente de sus orígenes, el sombrero de copa fue ganando popularidad y durante el período de la Regencia era de rigor para el uso diario del caballero inglés. De hecho, un hombre se arriesgaba a ser escupido en la calle si no llevaba su sombrero.

Hacia la última mitad del siglo XIX, el sombrero de copa dejó gradualmente de estar de moda, con las clases medias adoptando los bombines y los sombreros de fieltro suaves, que eran más cómodos para la vida de la ciudad, así como más convenientes para la producción en masa. Para el final de la Primera Guerra Mundial los sombreros de copa se habían convertido en una rareza en la vida diaria, aunque persistió en ciertas áreas tales como la política y la diplomacia internacional por varios años más.

Una versión popular, particularmente en los Estados Unidos en el siglo XIX, era el tipo de sombrero que usaba Abraham Lincoln. Diferente de muchas galeras esta versión era recta como una tubería y a menudo más alto que la galera típica.

Soberbias modas. The Magnificent Ambersons

2011-11-05T11:14:00.000-03:00

... En ese pueblo, en aquel entonces, todas las mujeres se vestían de seda o terciopelo y conocían a las demás mujeres que vestían de seda o terciopelo.
... se veían hombres de todas las edades para quienes un sombrero significaba solo esa cosa alta y rígida de seda conocida por los impúdicos como "tubo de estufa". Pero el extenso contagio del bombín había llegado. Una temporada, la copa de este sombrero sería como un cubo, la siguiente sería una cuchara.
Cada casa conservaba su sacabotas, pero las botas altas dieron paso a los zapatos y las polainas de congreso. Estos fueron modificados por la moda que les dio forma cuadrada a las puntas y luego con las puntas como las proas de proyectiles de carreras. Los pantalones con una raya se consideraban plebeyos. La raya probaba que la prenda había estado en un anaquel y, por lo tanto, estaba ya preparada.
Con traje de etiqueta, un caballero vestía un abrigo color marrón claro, tan corto que sus faldones negros colgaban visibles 12,5 centímetros abajo del abrigo. Pero después de una temporada o dos alargó su abrigo hasta que le tocaba sus talones. Y dejó sus pantalones ajustados por los pantalones como grandes bolsas.
En aquellos días ellos tenían tiempo para todo.
...

The Magnificent Ambersons. Soberbia.

Dir: Orson Welles. 1942
Wardrobe designer ladies: Edward Stevenson Edward Stevenson Collection

Espejos

2011-10-17T14:29:00.000-03:00

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No es difícil llegar a la conclusión de que ha desaparecido de la tierra algo de su esplendor.

El mismo misterio antiguo del vestir —un vaporoso chal en los hombros de una mujer enigmática, un aigrette en el sombrero de una desconocida equívoca, una cinta en una media— se ha desvanecido a la dura y realista luz del presente, lleno de necesidades utilitarias, de una uniformidad idéntica aunque práctica y de una perfección al por mayor perfectamente anónima.

Aquellas mujeres de Poiret que hollaban el césped de Longchamps como finos caballos flamencos, han sido reemplazadas por una hilera de chicas en traje de baño y foto de almanaque.

Sin embargo, siempre supone un peligro el lamentarse de las glorias perdidas del pasado y de la barbarie del presente.

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Si todo cambio es penoso, resulta tambien tan necesario como el aire que respiramos.

La moda es la expresión sutil y mudable de cada época. Sería insensato el pretender que nuestro espejo social devolviera siempre la misma imagen. Lo importante, en última instancia, es comprobar si esa imagen corresponde realmente a lo que sentimos que es.

El espejo de la moda

Cecil Beaton

Cierta vez las víboras dieron un gran baile.

2011-10-13T21:21:00.000-03:00

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Pero las que estaban hermosísimas eran las víboras. Todas, sin excepción, estaban vestidas con traje de bailarina, del mismo color de cada víbora. Las viboras coloradas llevaban una pollerita de tul colorado; las verdes, una de tul verde; las amarillas, otra de tul amarillo; y las yararás, una pollerita de tul gris pintada con rayas de polvo de ladrillo y ceniza, porque así es el color de las yararás.
Y las más espléndidas de todas eran las víboras de coral, que estaban vestidas con larguísimas gasas rojas, blancas y negras, y bailaban como serpentinas.
...

Las medias de los flamencos.

Cuentos de la selva.

Horacio Quiroga

Pantalones Oxford

2011-09-25T12:24:00.001-03:00

Los jóvenes siempre trataron de diferenciarse de sus mayores y establecer sus propias modas. Ya en los años veinte los estudiantes de Oxford y Cambridge violaban por primera vez la práctica de Eduardiana de usar diferentes tipos de vestimenta para distintos momentos del día.

En 1924 en la Universidad de Oxford, un pequeño grupo de estudiantes varones comenzaron a usar unos pantalones que nunca habían sido usados por sus padres.

Conocidos como “bolsas de Oxford” por su aspecto excesivamente ancho, estos pantalones podían deslizarse sin esfuerzo sobre la ropa interior tabú.

El estilo fue inventado por Harold Acton en su viaje a Oxford, quien supuestamente se inspiró en el tipo de pantalones que los remeros llevaban sobre sus pantalones cortos.

El estilo pronto atrajo la atención de los estudiantes universitarios estadounidenses, particularmente los asistentes de la Ivy League, las universidades de mayor prestigio académico y social.

Debido a su naturaleza excesiva los pantalones Oxford nunca se convirtieron en una moda general y perdieron su atractivo a finales de la década de 1920. Sin embargo, en distintas versiones han vuelto en reiteradas ocasiones y se han puesto de moda entre los jóvenes: el pantalón zoot suit popular entre los jóvenes varones afroamericanos durante 1930 y 1940, los pantalones acampanados durante la décadas de 1960 y 1970 y los pantalones oversized de patas anchas de los adolescentes de los ´90.

El estilo también hizo una reaparición en 1970. Una popular banda de chicos The Bay City Rollers llevaba una variante de pantalones Oxford con adornos de cuadros escoceses.

Guardapolvos blancos

2011-09-11T17:30:00.000-03:00

En nuestro país no hay otro símbolo equivalente de lo que representa la escuela pública que el guardapolvo blanco.

En la época de D. F. Sarmiento se creía que era malo obligar a usar cualquier tipo de uniformes por el costo que implicaba para las familias, lo que pondría más obstáculos para la asistencia a la escuela. Sólo a principios del siglo XX se empezaron a usar. La idea era proporcionar un vestuario económico, higiénico y democrático que acompañara la expansión de la escuela.

Uno de los tantos que se postula como inventor de los delantales blancos es Pablo Pizzurno, por aquel entonces Inspector General de Escuelas para la Capital Federal que formuló su queja sobre los vestidos lujosos que usaban las alumnas para ir a la escuela en 1904. Según Pizzurno, reiterando un tema central de la moralidad de la época, había que sospechar del lujo y la ostentación en las mujeres, porque se centraba en la frivolidad y porque el amor a los vestidos caros potencialmente podía llevar a oficios non sanctos. Según Pizzurno, las mujeres, naturalmente débiles de carácter y con tendencia a la superficialidad, eran más pasibles de caer en tentaciones que los hombres; y por eso su apariencia debía regularse con mucho más celo, también, por supuesto, para garantizar su "decencia" y su pudor. La queja sobre la peligrosidad del lujo y la ostentación lo llevó a recomendar el uso del delantal igualador, tomado al parecer de una clase de trabajos manuales, "con las ventajas de todo orden, morales, económicas, higiénicas y hasta estéticas que se le reconocen".

En 1915 se promulga un decreto que no sólo autoriza sino que recomienda el uso de delantales blancos para el personal docente de las escuelas de la Capital. Se lo consideró "buena práctica", porque "además de inculcar en los niños la tendencia de vestir con sencillez, suprimirá la competencia en los trajes entre el mismo personal."

Los delantales rápidamente "colonizaron" las formas de vestirse de los niños y los adultos en las escuelas públicas. El camino hacia la uniformación del vestuario ya estaba pavimentado.

Los relatos de quienes sostienen haber inventado los guardapolvos hablan de la disponibilidad de las telas blancas y de su costo más bajo, algo que debería ser contrastado con una historia de la industria textil que aún no ha sido escrita. Se creía que el blanco era el mejor color para la ropa higiénica, porque es un buen conductor del calor y porque es liviano; también fue el centro de la "estética de lo lavable" que prefería las superficies lisas y claras para garantizar la limpieza.

La historia de los guardapolvos escolares no es solamente la de la democratización de la escuela; los guardapolvos también fundaron exclusiones e impusieron jerarquías y desigualdades de género, sociales, raciales y culturales.

Habría que interrogar estas apariencias y formas del vestir en la escuela y pensar acerca de la justicia y la libertad que promueven.

Desfile eclesiástico. Roma. F. Fellini

2011-09-10T18:36:00.001-03:00

Entre el documental y el ensueño mágico de sus imágenes, "Roma" de Federico Fellini propone un fascinante recorrido por la capital italiana.

Con motivo de la construcción del metro, las máquinas descubren una vieja casa enterrada, en cuyas paredes cuelgan unos frescos. Una de las pinturas representa a una vieja dama, perteneciente a la rancia aristocracia romana, que organiza en su casa unos desfiles de moda muy originales: es la moda de los hábitos de la Iglesia. Un desfile bufonesco en el que se deja constancia del inmovilismo católico.

El universo filmado en Roma es un lugar de la memoria, una experiencia subjetiva de la capital italiana. La visión personal -donde presente, pasado y fantasía conviven simultáneamente- se impone sobre la rigurosa reconstrucción histórica (el macabro desfile eclesiástico carece de fuentes fidedignas más allá del genio felliniano)

Roma (1972) Federico Fellini

Decorados y Vestuario: Danilo Donati

Modas erógenas

2011-09-05T10:41:00.000-03:00

No es para nada extraño que cuando el vestido inaugura una nueva motivación, exagere en demasía la función que esta ejerce. Cuando surgió el fenómeno de la moda hacia 1350 - 1370 la estrenada función de expresión de la naturaleza sexual a través del vestido, se mostró en vientres prominentes que simulaban embarazos como el de la señora Arnolfini en la pintura de Van Eyck, o en grandes escotes y profundas quillas que señalaban zonas erógenas femeninas.

Las prendas masculinas ostentaban en cambio mangas y calzones con rellenos para acentuar la virilidad.

Susana Saulquin

La moda, después

La loba. Bette Davis

2011-09-01T21:05:00.000-03:00

Si hubo alguna vez en Hollywood una actriz capaz de bordar, como nunca antes lo había hecho nadie los papeles de malvada esa fue, indiscutiblemente Bette Davis.

Hollywood - Los Angeles, California, 1941.
William Wyler dirige para Samuel Goldwyn el drama americano The Little Foxes.
La estrella: Bette Davis. El vestuario: Orry-Kelly.

Las leyes de conservación de California impiden el uso de los pájaros disecados en los sombreros.
Frente a tal prohibición Orry-Kelly toma prestada una paloma blanca, el epítome del arte taxidermista, del Museo de Louisiana.
Puede verse aqui sobre un sombrero con velo.

Bette Davis es "el ave rapaz" Regina Giddens

"dice el Señor, matad a la loba que se come nuestras vides, y nos roba nuestros racimos de uva"

Maestros: Lucile

2011-08-07T12:48:00.001-03:00

Lady Duff-Gordon (Londres 1863-1935) más conocida como Lucile fue una famosa estilista británica. En 1891 abrió su primera casa de costura, la Maison Lucile en Hanover Square, luego le siguieron los salones Paris, Nueva York y Chicago, vistiendo a la alta sociedad, la aristocracia, la realeza y actrices del cine.

Especialmente apreciados eran sus vestidos de té, confeccionados en gasas ligeras, tafetanes, popelines y sedas. Afirmaba haber revolucionado la ropa interior femenina perfeccionando el corsé y haciéndolo más ligero.

Creó en 1907 el vestuario de Lily Elsie para la obra de teatro "La viuda alegre", que se estrenó en Londres y los trajes fueron un furor de moda.

Obras maestras de delicada artesanía. Vestidos de estilo Directorio de cintura alta, que caían rectos hasta el suelo y terminaban en la parte inferior con franjas recargadas de toda clase de adornos, bordados, abalorios y lentejuelas, añadidos de encajes, lazos y guirnaldas de rosas diminutas. Un sentido del color tan sutil que la delicadeza de los matices resultaba de un esplendor suave e indefinible, remarcado por la introducción de alguna banda o faja de tonos malva o verdes muy vivos, y tal vez algún toque de rosado o anaranjado.

Hasta su aparición las modistas de París presentaban sus ropas sobre maniquíes que llevaban un maillot interior de seda negra con cuello alto y mangas largas, encima del cual se ponían los vestidos de Doucet o de Worth. Lucile descartó estos interiores negros y empleó como modelos jóvenes hermosas de elevada estatura que, según el pintor Étienne Drian se paseaban afectadamente de una parte a otra con sus turbantes y sus colas con la misma apariencia de langostas impertinentes. Así Lucile instauraba los desfiles de modas, teatrales, con escenario, música y luces.

El 15 de abril de 1912 viajaba junto a su marido Sir Cosmo Duff en el RMS Titanic para visitar la boutique de Nueva York que había abierto en 1910. Viajaban con los nombres de Sr. y Sra. Morgan, quizá para evitar la publicidad. Debían llegar rápidamente para ocuparse de un negocio urgente. Se alojaban en camarotes independientes y tenían reservado un tercero para la sirvienta de Lady Lucile. No cabe duda de que las damas de primera clase tomaban buena nota de lo que vestía durante el día y en la cena.

Los tres sobrevivieron a la tragedia.

Poiret y los estilos orientales.

2011-08-02T18:45:00.000-03:00

Poiret liberó a las mujeres. Durante los años anteriores a 1911 ya había transformado la moda francesa. Fue principalmente él quien selló el destino del corsé y puso fin a una época en la que el cuerpo femenino se había dividido en dos masas con una cintura marcadamente estrecha.

"Era todavía la época del corsé. Lancé una guerra contra él … En nombre de la libertad, provoqué mi primera revolución, sitiando deliberadamente, al corsé"

La nueva tendencia de Poiret resaltaba los colores llamativos, el movimiento físico, una imagen reducida y unificada del cuerpo, con ropa que caía desde los hombros. La cintura se trasladó hacia arriba, inmediatamente debajo de los senos, y se diseñaron vestidos que seguían la línea del cuerpo, recuperando el estilo Directorio. Esta tendencia neoclásica estuvo influida por las innovaciones que Isadora Duncan efectuó en la danza y en el vestido.

En 1911, tras el estilo Directorio Poiret introdujo el primer estilo oriental. Había resumido su trabajo de los tres años anteriores en el álbum ilustrado Les choses de Paul Poiret, obra de George Lepape. La última sección del folleto, dedicada a las modas “del mañana”, mostraba cuatro imágenes de mujeres en pantalones.

Los “pantalones de odalisca” permitieron a Poiret lanzar un estilo bifurcado en la esfera de la alta costura. El modisto dio el paso crucial que suponía la abolición del miriñaque y la falda ancha diseñando “quatre manières de culotter une femme”, basadas en la idea del vestido oriental. Así, recapituló, en un contexto diferente los bombachos de Amelia Bloomer (1850) como la falda oriental o falda pantalón de Lady Harberton, diseñadas en la década de 1880 para la Racional Dress Society.

El asalto a la nevera: Reflexiones sobre la cultura del siglo XX Peter Wollen