Soberbias modas. The Magnificent Ambersons

... En ese pueblo, en aquel entonces, todas las mujeres se vestían de seda o terciopelo y conocían a las demás mujeres que vestían de seda o terciopelo.
... se veían hombres de todas las edades para quienes un sombrero significaba solo esa cosa alta y rígida de seda conocida por los impúdicos como "tubo de estufa". Pero el extenso contagio del bombín había llegado. Una temporada, la copa de este sombrero sería como un cubo, la siguiente sería una cuchara.
Cada casa conservaba su sacabotas, pero las botas altas dieron paso a los zapatos y las polainas de congreso. Estos fueron modificados por la moda que les dio forma cuadrada a las puntas y luego con las puntas como las proas de proyectiles de carreras. Los pantalones con una raya se consideraban plebeyos. La raya probaba que la prenda había estado en un anaquel y, por lo tanto, estaba ya preparada.
Con traje de etiqueta, un caballero vestía un abrigo color marrón claro, tan corto que sus faldones negros colgaban visibles 12,5 centímetros abajo del abrigo. Pero después de una temporada o dos alargó su abrigo hasta que le tocaba sus talones. Y dejó sus pantalones ajustados por los pantalones como grandes bolsas.
En aquellos días ellos tenían tiempo para todo.
...

The Magnificent Ambersons. Soberbia.

Dir: Orson Welles. 1942
Wardrobe designer ladies: Edward Stevenson  Edward Stevenson Collection

La loba. Bette Davis

Si hubo alguna vez en Hollywood una actriz capaz de bordar, como nunca antes lo había hecho nadie los papeles de malvada esa fue, indiscutiblemente Bette Davis.

Hollywood - Los Angeles, California, 1941.
William Wyler dirige para Samuel Goldwyn el drama americano The Little Foxes.
La estrella: Bette Davis. El vestuario: Orry-Kelly.

  
Las leyes de conservación de California impiden el uso de los pájaros disecados en los sombreros.
Frente a tal prohibición Orry-Kelly toma prestada una paloma blanca, el epítome del arte taxidermista, del Museo de Louisiana. 
Puede verse aqui sobre un sombrero con velo.

Bette Davis es "el ave rapaz" Regina Giddens

"dice el Señor, matad a la loba que se come nuestras vides, y nos roba nuestros racimos de uva"

Vestido de seda

 

Si Adelita se casa conmigo,

si Adelita fuera mi mujer,

 le compraría un vestido de seda,

la llevaría a bailar al cuartel.

Edwige Feuillère con vestido de Christian Dior  

Amistades y colaboraciones. Marcel Vertes y Elsa Schiaparelli

En “Moulin Rouge”, el cineasta americano John Huston  muestra su gran hacer en el innovador uso del color, inspirado en el universo de los pintores impresionistas franceses.

“Iba a intentar utilizar el color en la pantalla como Lautrec lo utilizaba en sus pinturas -escribió Huston- y así nuestra idea era allanar el color, presentarlo en planos de matices sólidos, y deshacernos de los reflejos y de la impresión de una tercera dimensión que presentaba el modelado”.

El film ganó dos estatuillas de la Academia: por la dirección artística a cargo de Paul Sheriff y Marcel Vertes y por el diseño de vestuario, responsabilidad de Marcel Vertes, quien llamó a su amiga Elsa Schiaparelli para que diseñara los vestidos que Zsa Zsa Gabor luce en la película.

Elsa Schiaparelli (1890-1973), una de las creadoras mas notables de los años treintas que Paris supo descubrir y valorar desde el primer momento, cuando esta italiana recién llegada a la escena presenta su primera colección en los modestos salones de su departamento del numero 20 de la Rue de l´Université. Propone sweaters tejidos de mangas a rayas en blanco y negro, con formas negras sobre fondo beige y rectángulos blancos sobre fondo café. Estas prendas hacen hablar a la revista Vogue .

Meses mas tarde Elsa Schiaparelli vuelve con sus sweaters esta vez con motivos modernistas, con rascacielos, y nuditos al frente en trompe l´óeil. Este indiscutible éxito le permite abrir su primera boutique en plena Rue de la Paix, dirección vecina a la Place Vendome, donde mas tarde se instalaría Coco Chanel su gran rival, que la califica simplemente como “una artista que hace vestidos”, y  ella misma se auto denominaba  “una modista inspirada”. Su “atelier” había sido diseñado por Jean Michell Frank y decorado con piezas firmadas por Diego Giacometti, el gran escultor italiano con quien mantenía gran amistad. Sus vestimentas sport y sus trajes de calle e igualmente sus trajes de noche harían furor entre las elegantes de la capital francesa. Pronto  Schiaparelli ocupa un lugar en la moda francesa, gracias a la exhuberancia de su expresividad, y su proximidad al surrealismo dadas sus amistades con los artistas de la época. Era intima de Cocteau, de Salvador Dali, de Marcel Vertes, Tristan Tzara, Francis Picabia, y de Man Ray entre otros dadaístas cuyo espíritu influyó totalmente en sus creaciones.

 

Elsa Schiaparelli nació en Roma en 1890 y murio el 13 de Noviembre de 1973 cuando dormía en su casa de la Rue de Berri en Paris en la misma ciudad donde el destino la había traído desde Roma. En la capital francesa la ciudad la consagró aplaudiendo algunas de sus creaciones mas alucinantes en colaboración con la casa Lesage, los grandes bordadores de esos años:  “el Circo”(1938) o “La Música” (1939) o aun mejor: la capa “Febos”, el “Carruaje Apollon” o el vestido aparentando rasgaduras inspirado en Dali. La Schiaparelli le daba su toque a estas pequeñas locuras, con formas fantasiosas, utilizando zapatos como sombreros, o diseñando bolsas de mano en forma de teléfono.

Era una sobrina nieta de Giovanni Schiaparelli, que descubrió los canales de Marte. Ella fue la primera en utilizar hombreras,  el rosa, llamándole rosa shocking, las telas estampadas de animales, y las cremalleras.

Diseñó también una serie de perfumes, el primero y más famoso  llamado Shocking fue creado en 1936. Shocking es menos famoso por la fragancia que por su envase: una caja en rosa chillón y la botella en forma de torso de mujer, basada en el cuerpo curvilineo de una de sus clientes, la estrella de cine Mae West. El diseño estaba firmado por la sensualidad y la sofisticación de su amigo Marcel Vertes.

Put your head on my shoulder. Trajes de baño Jantzen.

Fundada en 1910, Jantzen alcanzó el puesto de principal fabricante de trajes de baño en 1930. Para lograr que las prendas se ajustasen a la figura, se mezclaban telas de punto con fibras elásticas.
En 1930, la compañía desarrolló el Shouldaire, un traje de baño con un cordón por encima del busto que permitía bajarse las tiras de los hombros para facilitar el bronceado uniforme.

Los trajes de baño masculinos fueron de una sola pieza hasta principios de las década de 1930, cuando empezó a ser aceptable llevar el pecho al descubiero.
En 1929, el nadador olímpico Johnny Weissmuller, famoso por su papel de Tarzán, lució su torso desnudo con los bañadores creados por él mismo y el fabricante neoyorquino de ropa interior masculina BVD.

Virilidad y polvos rosados.

¿A las mujeres les puede gustar ese tipo de hombre que en un lavabo público se aplica polvos rosados en el rostro o se arregla el cabello en un ascensor, en medio de todo el mundo?

 

Es bien conocida la inclinación de Rodolfo Valentino por la extravagancia sartorial, su famoso brazalete de esclavo sin el cual jamás se mostraba públicamente, sus joyas de oro, su preferencia por los perfumes fuertes, los abrigos ribeteados con chinchilla y su pronunciada coquetería italiana.

Cuando Natacha Rambova, la segunda esposa de Valentino (cuya pulsera de esclavo llevaba Rudy), se separó en 1926, salió a la luz que el matrimonio jamás se había consumado. Ya en 1922, su primer esposa, Jean Acker, lo había acusado de negligencia y rechazo en el aspecto sexual.

Ambas mujeres, Natacha Rambova y Jean Acker eran “protegidas” de la igualmente exótica Alla Nazimova, la más notable importación femenina de Hollywood en esos tiempos.

Rambova había diseñado los modelos tipo Beardsley para la personal versión de Salomé interpretada por Alla Nazimova, para la cual se empleó exclusivamente a actores homosexuales en homenaje a Oscar Wilde.

Fue ella quien le presentó a sus dos mujeres. Valentino se refería a ella como “el jefe” y se hacía acreedora del calificativo inmiscuyéndose en la carrera de su esposo en la Paramount.

La pérdida de Valentino, a los 31 años, dejó un rastro de inconsolables amantes de ambos sexos, a juzgar por los torrentes de lágrimas derramados. Por ese entonces el recuerdo de Rudy también era reverenciado por Ramón Novarro, quien conservaba en una urna de su dormitorio un consolador de grafito, del más representativo art decó, enaltecido por la firma autógrafa de Valentino. Un regalo de Rudy.  

                                                                                       Pero, ¿de veras tengo pinta de marica?

Costosos Caprichos.

Las estrellas de Hollywood llevaban la moda hasta el extremo para cualquier aparición en público: Gloria Swanson encabezaba el desfile en la Alameda de las Plumas. Las facturas anuales de Gloria podían desglosarse así: abrigos de pieles, 25.000 dólares; otros tapados, 10.000; vestidos, 50.000; medias, 9.000; zapatos, 5.000; ropa interior, 10.000; bolsos, 5.000; blusas, 5.000; y otros 6.000 para nubes de perfume.
En aquel tiempo Gloria Swanson ganaba 900.000 dólares al año bajo contrato con la Paramount.

Hollywood Babilonia

Kenneth Anger.

Oscar Ennui

El 27 de marzo de 1977 la actriz Faye Dunaway toma el desayuno junto a la pileta del Hotel Beverly Hills, rodeada por los periodicos del día. Menos exaltada que la noche anterior cuando en la ceremonia de la Academia  se alzó con el Oscar a la mejor actriz por el film Network, dirigido por Sidney Lumet.

Foto: Terry O'Neill    

La dinastía Westmore. Make up

En 1917 George Westmore  fundó el primer departamento de maquillaje de la historia del cine,  y sembró toda un dinastía de hijos que se encargarían del maquillaje para la Universal, la Warner Bros, la RKO, la Paramount, y la Selznick.
Sus hijos, los mellizos Perc y Ern tenían solo 9 años cuando papá George les enseñó a fabricar pelucas. Junto a su otro hijo Mont realizó todo el maquillaje de Rey de reyes de De Mille, trabajo nada sencillo si se tiene en cuenta que el Cristo elegido por Cecil, el actor H. B. Warner, era un borracho empedernido que todas las mañanas se presentaba en el estudio abotargado y ojeroso, no precisamente en la mejor forma para convertir su rostro en emblema  de santidad. Fue Mont Westmore quien depiló las cejas de Valentino y se las rediseñó , le untó los labios con vaselina para que brillasen y, le dio a Rudy Valentino su característico peinado hacia atrás y las patillas cortadas en ángulo.

Terminada Rey de reyes, el viejo George abrió un salón en Hollywood Boulevard, convencido de que él sería el zar del maquillaje. Resultó ser que todas las estrellas preferían a los hijos de Westmore que al papá. Esto destrozó a George, no soportaba la rivalidad de sus hijos. En 1926 su otro hijo Wally de 21 años fue nombrado jefe del departamento ampliado de maquillaje de la Paramount. Y en 1931, su hijo Ern a cargo del maquillaje de la RKO obtuvo un Oscar por su trabajo en Cimarron. Pocas semanas después George Westmore ingirió una poción a base de bicloruro de mercurio y tras cuatro días de agonía murió cuando el cóctel letal llegó a sus tripas.

Hollywood Babilonia.   

Kenneth Anger   

"Para la ciudad. Para la noche"

Hablando de sí misma en tercera persona, Elsa Schiaparelli, en sus memorias Shocking Life, recuerda sus comienzos: Schiap llevando consigo sus biombos, se instaló en el primer piso del número 4 de la rue de la Paix. Dispuso todo de modo que pareciera un barco en el que pañuelos, cinturones y jerseys creaban un desorden lleno de color. En la inscripción de la entrada añadió: "Para la ciudad-Para la noche". Y el slogan se inscribió en blanco en una pequeña camioneta negra, y en negro en papel de cartas blanco. Cortinas brillantes de cuero lustroso, un mobiliario de madera oscura y una postal de la Costa vasca pintada en la pared blanca con verdes y azules vivos, completaban el interior. En esa época, Schiaparelli diseñó un pequeño sombrero de punto que parecía un tubo y que en la cabeza adoptaba cualquier forma. Ina Claire, célebre en Hollywood, famosa entonces por su elegancia, lo adoptó inmediatamente y lo puso de moda. Un fabricante americano lo compró y creó una empresa muy próspera que bautizó con el nombre de "Le bonnet fou". Se hizo millonario. Con estas mujeres dotadas de una predisposición natural hacia la excentricidad, entramos en el universo del "surrealismo de la moda" que hará furor a finales de los años treinta. Como si la bella máquina del lujo parisino se disparara ante el acercamiento del drama de la segunda guerra mundial. Moda y surrealismo/ Francois Baudot.

El romanticismo según Laura Ashley

Todo comenzó con un pañuelo, una pañoleta en la cabeza de Audrey Hapburn de Vacaciones en Roma. (vestuario de Edith Head). Un retazo textil que puso en órbita a una diseñadora galesa . Sus señas de identidad: el estilo victoriano y el patchwork.

A finales de los 60, las largas faldas estampadas de Katharine Ross en Dos hombres y un destino (Butch Cassidy and Sundance Kid) terminarían de hacer despegar a Laura Ashley.

La diseñadora, que alcanzó su apogeo a principios de los años ochenta, aportó un aire femenino a los vestidos de mujer como réplica al traje de ejecutiva del momento.

El romanticismo neovictoriano de los diseños de Laura Ashley encontró eco en los gustos conservadores de la época.

La firma sigue siendo hoy sinónimo de cierta elegancia, romántica y dramática; un referente del estilo de vida asociado al refinamiento de la clase alta.

She's In Fashion

Irene Dunne Foto: Ray Jones para Universal Vestido: Howard Greer 1941

Margo Channing

... Abrochense los cinturones, va a ser una noche muy movida...

El traje de seda marrón, con adornos de piel de marta en bolsillos y mangas, que luce Margo Channing (Bette Davis) en la escena del cocktail (diseño de Edith Head- Charles Le Maire) originalmente era un modelo de escote cuadrado, pero cuentan que al momento del rodaje Edith Head descubrió que el escote quedaba realmente enorme. La solución: bajarse el escote hasta los hombros, dejándolos al descubierto.

All about Eve. (1950)

Joseph L. Mankiewicz

Vestuario: Edith Head / Charles Le Maire

"Una artista que hace vestidos"

Elsa Schiaparelli fue una de las creadoras más notables de los años treinta que París supo descubrir cuando esta italiana recién llegada a la escena presenta su primera colección en los modestos salones de su departamento del número 20 de la Rue de l´Université. Propone sweaters tejidos de mangas a rayas en blanco y negro, con formas sobre fondo beige y rectángulos blancos sobre fondo café. Estas prendas hacen hablar a la revista Vogue.

Meses más tarde Elsa Schiaparelli vuelve con sus sweaters esta vez con motivos modernistas, con rascacielos y nuditos al frente en trompe l´óeil. El indiscutible éxito le permite abrir su primera boutique en plena Rue de la Paix, dirección vecina a la Place Vendome donde más tarde se instalaría Coco Chanel su gran rival, que la califica simplemente como “una artista que hace vestidos”. La Schiaparelli más tarde vendría también a la Place Vendome donde abriría en el numero 21 su casa de alta costura. Ahí llegó La Duquesa de Windsor o Greta Garbo para que las vistiera. Su “atelier” había sido decorado por Jean Michell Frank y decorado con piezas firmadas por Diego Giacometti, el gran escultor italiano con quien mantenía gran amistad. Sus vestimentas sport y sus trajes de calle y de noche harían furor entre las elegantes de la capital francesa. Pronto la Schiaparelli ocuparía un lugar en la moda francesa gracias a la exhuberancia de su expresividad y su proximidad al surrealismo. Era íntima de J.Cocteau, Salvador Dali, Marcel Vertes, Tristan Tzara, Francis Picabia, y de Man Ray entre otros cuyo espíritu influyó totalmente en sus creaciones.

Elsa Schiaparelli nació en Roma en 1890 y murió el 13 de Noviembre de 1973 cuando dormía en su casa de la Rue de Berri en Paris, en la misma ciudad capital que la consagró aplaudiendo algunas de sus creaciones mas alucinantes en colaboración con la casa Lesage, los grandes bordadores de esos años: sus colecciones “El Circo”(1938) o “La Música” (1939) o aun mejor la capa “Febos”, el “Carruaje Apollon” o el vestido aparentando rasgaduras inspirado en Dali. La Schiaparelli le daba su toque a esas pequeñas locuras, con formas fantasiosas, utilizando zapatos como sombreros, o diseñando bolsas de mano en forma de teléfono. Era sobrina nieta de Giovanni Schiaparelli, que descubrió los canales de Marte. Ella fue la primera en utilizar hombreras, el rosa llamándole rosa chocante, las telas estampadas de animales, y las cremalleras.

Diseñó una serie de perfumes, además de ropa, el primero y más famoso de ellos llamado Shocking fue creado en 1936. Shocking es famoso menos por la fragancia que por su envase: una caja en rosa chillón con la botella en forma de torso de mujer, basada en el cuerpo curvilíneo de una de sus clientes, la estrella de cine Mae West. Para el cine diseñó el vestuario para “Every Day’s Holiday” y los trajes de Zsa Zsa Gabor para “Moulin Rouge”, bajo la dirección de vestuario de su amigo Marcel Vertes.

Zapatero a su zapato

El señor de los zapatos. Salvatore Ferragamo para "la fábrica de sueños"

Cover Girl

Cover Girl (1944) Director: Charles Vidor Rita Hayworth es Rusty Parker. Gene Kelly es Danny McGuire Vestuario: Travis Banton, Gwen Wakeling y Muriel King Sombreros: Kenneth Hopkins

En la fábrica de sueños. Cecil B. de Mille y Edith Head

Hady Lamarr - Samson and Delilah

Gloria Swanson - Sunset Blvd

"Quiero ropas que hagan soñar al público", decía Cecil B. de Mille, "no deseo que en mis películas aparezcan vestidos que uno podría encontrar en una tienda". En la edad dorada de Hollywood, los magnates de la industria entendían que una parte de la magia estaba en el vestuario de las estrellas.

La extraña pasajera

Now, voyager. La extraña pasajera

Director: Irving Rapper

Vestuario: Orry Kelly

La acción se desarrolla en Boston en 1940/41. Narra la historia de una mujer atormentada, Charlotte Vale (Bette Davis), que vive sometida a los caprichos de su madre, que la desprecia y se burla de ella. Sumida en una profunda tristeza, su hermana Lisa (Ilka Chase) la hace visitar por un psiquiatra, el Dr. Jaquith (Claude Rains), que le aconseja unas semanas de descanso en el Sanatorio Vermont.

Ya repuesta, realiza un largo viaje, se abre al amor sin escrúpulos ni remordimientos, se transforma en una mujer atractiva, sobre todo elegante, y descubre el amor junto a un hombre casado Jerry Durrance (Paul Henreid) durante un crucero por Sudamérica.

Charlotte sabe que Jerry no puede divorciarse de su esposa y a su regreso a Boston se promete en matrimonio con otro hombre. Cuando Jerry se cruza nuevamente en su camino, se da cuenta de que todavía lo ama y rompe el compromiso. Su tiránica madre se encoleriza, y en una vehemente riña entre las dos mujeres muere de un ataque cardiaco.

Deshecha, Charlotte ingresa de nuevo en el sanatorio donde recibió inicialmente el consejo psiquiátrico, y conoce a una muchacha muy parecida a ella antes de la transformación. La chica resulta ser hija de Jerry y Charlotte la ayuda a florecer y se la lleva a su casa. Por fin, Durrance le propone matrimonio, pero ella no acepta que abandone a su esposa y se conforma con ser madre adoptiva de la niña.

La película es uno de los más renombrados melodramas románticos del cine americano de los 40. Exalta a la mujer que lucha sola por su independencia y su libertad. El sacrificio por lealtad a un amor imposible, similar al de "Casablanca" responde, también, a los gustos de la época y a las exigencias de la censura.

Como tantas otras veces, Bette Davis contribuyó activamente al enriquecimiento de La extraña pasajera. Las pruebas iniciales de vestuario y maquillaje de Paul Henreid, un actor austríaco de 34 años que hacía su cuarto trabajo en Hollywood, lo mostraban con el pelo engominado hacia atrás y un batín de seda, y Bette se horrorizó al verlo. "Estaba idéntico a Valentino -dice-. No encajaba en nada con su personaje. Creí que era la imagen que él quería proyectar, pero cuando me comentó que la detestaba tanto como yo, insistí en repetir la prueba. Por suerte, mi petición fue aprobada. Con esa imagen habría arruinado la película".

"No pidamos la luna, porque ya tenemos las estrellas"