La silueta en los tiempos de guerra

Las tendencias sociales dictan la moda, pero a partir de 1939, fue la guerra la que causó un gran impacto en la vida diaria y, por lo tanto en el vestido. En Europa y América el reclutamiento femenino cambió el papel tradicional de la mujer, que abandonó el hogar para participar de diversas maneras en el conflicto bélico. Mientras las fábricas se dedicaban a los paracaídas y otros suministros de guerra, la demanda de fibras naturales como la seda y la lana hizo que los fabricantes se vieran obligados a sustituirlas por fibras sintéticas. La mayoría de los vestidos de la época son de rayón. En 1941, las restricciones afectaron directamente a la moda. A golpe de decreto, se prohibe el uso de adornos y ciertos materiales. La moda que no era moda de los años de la guerra alumbró un estilo conservador y militar, pero de magnífica calidad, dado que las prendas tenían que durar varias temporadas. Gran Bretaña también controló su alta costura y Francia perdió su posición en la sima de la moda en 1940, bajo la ocupación alemana, y no recuperó su indisctutible liderazgo hasta la liberación en 1944, cuando sus colecciones en "el teatro de la moda" fueron espléndidas. Mientras tanto, América recurrió a sus propios diseñadores, y así nació el prêt-a-porter americano, con prendas cómodas y funcionales en colores vivos y tejidos como el algodón y el denim. Despues de la guerra, la moda aún tardaría algún tiempo en retomar su curso, sobre todo allí donde había racionamiento. La dulcificación de la silueta americana fue el preludio del new look radical que Christian Dior lanzó en 1947 y que cambió el aire de la moda definitivamente.

The Yellow Jacket

Ya en el Neolítico (h. 6000 a.C.) y en la Edad de Bronce (h. 1700 a. C.), China acogió gran parte de los elementos característicos de su tradición histórica. Artículos de lujo como sedas, jades, bronces y lacas ya se estaban perfilando en aquellas épocas; y diferenciarían la expresión cultural china de la de otras civilizaciones. La seda en especial ejerció una profunda influencia en las conductas rituales, políticas y sociales que caracterizarían a la sociedad aristocrática china. La seda se confecciona con los monofilamentos presentes en el capullo del Bombyx mori, un insecto que los granjeros del Neolítico domesticaron hacia finales del cuarto milenio a. C. Durante los siglos siguientes, los granjeros aprendieron a desenrollar los filamentos duros y resistentes para crear el hilo que posibilitaría la fabricación de la seda, "una tela sin igual". La seda se estableció como un priviligio de los poderosos y pasó a ser característica de una elite gobernante que apareció en China de la mano de una agresiva tribu poseedora de la ventaja militar del carro de guerra: los Shang de la Edad de Bronce. Las magníficas túnicas de seda de la China imperial dejaron de ser un elemento de la estructura gubernamental tras la Revolución de 1911, aunque siguieron influyendo en el atuendo occidental. Una aristócrata de Boston de principios del siglo XX luce una túnica de inspiración china cuyo ribete profusamente adornado contrasta con el cuerpo de la prenda en un estilo que vio su origen durante la dinastía Shang

William McGregor Paxton La túnica amarilla, 1907

Estilo americano (1970)

Nacida en Bélgica, la diseñadora Diane von Furstenberg llegó a Nueva York en 1972, y un año después produjo su primera línea de vestidos cruzados. Era el momento perfecto. Las mujeres empezaban a ser reconocidas como una fuerza laboral en la Gran Manzana, y era posible ser sexy, atractiva y tener éxito, todo a la vez. El vestido cruzado, anudado en la cintura a un lado, sedujo a la mujer trabajadora americana, por su estilo profesional pero femenino. Tres años después se habían vendido cinco millones de copias de esta favorecedora prenda de punto de algodón, de lavar y poner, y disponible en diferentes estampados naturales. Así nació la marca DVF, y la frase: "Sé femenina, lleva un vestido" se convirtió en el lema de la firma. Relanzado en los años 90´ el apellido von Furstenberg volvió a ser sinónimo de una elegancia femenina y madura.

Estatuas vivientes

Italiana de nacimiento, aunque reside en Nueva York, Vanessa Beecroft (Génova 1969), es una de las figuras indiscutibles del panorama actual. La artista trabaja la imagen de la mujer formando cuadros vivientes, creando obras provocadoras e intrigantes, bellas, descabelladas y efímeras. Sus performances, desde mediados de los años noventa, están realizadas casi de manera exclusiva con mujeres; y todas son registradas al mismo tiempo en fotografía y video, conformando obras independientes. Vestíbulos, salas de museos y galerías de arte son los lugares escogidos por Beecroft para llevar a cabo esas acciones (vernissage-événement) en las que grupos de jóvenes mujeres se muestran al público como esculturas vivas, maquilladas, con largas pestañas postizas y pelucas, desnudas o escasamente vestidas (tan solo llevan accesorios de diseñadores de alta costura: biquinis Gucci, botas Helmut Lang, diseños de Azzedine Aläia). Las modelos muestran la más absoluta indiferencia. El silencio y la falta de movimientos, de actividad, crean un ambiente inquietante en el que la pura contemplación se ve perturbada por la reflexión en torno al estereotipo femenino, la belleza y el erotismo, así como los conceptos de lo individual y lo colectivo.

Moda en la calle

Hasta los años '30, la ropa de día había sido más decorativa que práctica. Pero entonces, las mujeres empezaron a llevar una vida más ocupada y la moda reflejó ese cambio. La escasez de dinero obligó a las mujeres a renunciar a los caprichos de la moda y a buscar otras maneras de ser elegantes. Los complementos asumieron un papel importante. Los broches, pendientes y anillos, fueron la alternativa a las joyas preciosas que sólo las clases altas podían permitirse. Los guantes tambien añadían un toque esencial. La moda dictaba que los sombreros se llevaran ligeramente ladeados, la boina reemplazó al sombrero cloche, y aunque los casquetes tambien eran populares, el turbante se convirtió en el complemento estrella del momento.

Indian summer

Lady Edwina Mountbatten, la última virreina de la India.

Edwina Cassel, de familia rica y aristócrata se casó con Lord Mountbatten en 1922 y a partir de ahí, su vida fue una búsqueda frenética de nuevas experiencias, placeres y causas por las que luchar. Formaron un extraño (para la época) “matrimonio abierto” en el que cada uno se movía un poco a su aire. Tuvo amantes, algunos comprobados, como fue el caso de Nehru, primer ministro de la India (y padre de Indira Gandhi); romance que algunos califican como “la más grande historia de amor de todos los tiempos” Edwina estuvo muy implicada en la causa de la India a partir de la partición en dos del Punjab, en 1947,  la India de mayoría hindú y Pakistán, de mayoría musulmana,  luchando contra la miseria y siendo consideraba como una auténtica heroína.

En cuanto a la moda, su diseñador favorito fue Charles Frederick Worth, al que se considera el inventor de la Alta Costura; él tuvo la idea de mostrar sus creaciones a sus clientas (lady Edwina, la princesa Metternich, la emperatriz Eugenia, entre otras) haciendo que la presentaran modelos de carne y hueso. Nacía así el desfile de moda; inseparable hoy en día de la idea misma de "colección".

Oliver Twist

— Limpio, con ropa nueva y 5 peniques en el bolsillo. Tu crees que volverá?

— Si vuelve me comeré el sombrero.

    John Howard Davies es Oliver en la película de 1947 de David Lean      

Maestros: Lisa Fonssagrives

Fue una de las primeras modelos con nombre propio. Nacida en Suecia, forja su carrera en París gracias a grandes fotógrafos: Horst P. Horst, Richard Avedon, Erwin Blumenfeld, Man Ray, Edgar de Evia, George Hoyningen-Huene, George Platt Lynes, Penn y Fonssagrives (y estos dos últimos fueron también sus maridos). Sus 17 pulgadas (43.18cm) de cintura la hicieron la modelo ideal para el New Look de Dior de 1947. Fue una de las más grandes durante los años 40 y 50 y apareció en más de 200 portadas de Vogue..

Con aspiraciones de convertirse en bailarina, Lisa se mudó a Paris antes de cumplir los 20 años y ahí entró en contacto con el bullicioso mundo bohemio de la ciudad luz y pronto se convertiría en la musa de grandes artistas y una de las mas importantes figuras de la época. Casada en 1935 con el fotógrafo de modas Fernand Fonssagrives, de quien tomó su nombre artístico, este matrimonio la ayudó a colarse en las más altas esferas del medio y pronto se proyectó como el prototipo de la mujer moderna, inteligente, culta y preparada cuya belleza no era obstáculo para poder desarrollarse en los mas altos niveles de la cultura y la sociedad. Mujer adelantada a su época, estandarte del feminismo e iniciadora de toda una generación en las pasarelas, Lisa se divorció en 1950 para casarse meses después con el también fotógrafo Irving Penn con quien pasó el resto de su vida hasta que falleció en 1992 rodeada del glamour y la fama que la acompañaron toda su existencia.

La revolución de las alfileres

La fabricación de alfileres, aunque muy antigua, no constituyó artículo de verdadera importancia hasta el siglo XV.  Los alfileres primitivos, de hierro o de bronce, eran de manufactura muy sencilla: sus cabezas estaban formadas por breves retorcimientos de la varilla metálica. Con el invento del estirado de alambre y sus aplicaciones en los siglos XIII y XIV, la fabricación de los alfileres entró en un nuevo periodo de desarrollo. En 1483, la corona inglesa prohibió la importación de alfileres y en 1543 un Acta del Parlamento reguló su venta y manufactura. En el siglo XVI aparecieron los alfileres como los conocemos hoy en día, con cabeza pequeña y sólida, y de forma esférica. Francia fue la primera en construir los alfileres industrialmente, dominando el mercado europeo hasta 1626, año en que un tal Tilsby comenzó a fabricarlos en Stroud, Inglaterra. La industria floreció y se extendió hasta Londres (1636) y más tarde a Dublín, que muy pronto aventajó a la francesa por sus mejores procedimientos y resultados. Hacia 1680 se inventó el denominado “estampador basculante” y la “aplanadora”, que permitía a un solo operario unir diariamente más de diez mil cabezas de alfileres. La aparición de maquinaria automática y la división del conjunto de la fabricación simplificó de manera exponencial su producción.

En el siglo XVIII Adam Smith se dedicó a observar a los obreros de una fábrica de alfileres en Kirkaldy, su aldea natal, y de ahí obtuvo la idea que le permitió afirmar que la división del trabajo incrementaba la productividad. En La riqueza de las naciones, obra publicada por primera vez en 1776, señala lo siguiente:

Un obrero que no haya sido adiestrado en esa clase de tarea [...], por más que trabaje, apenas podría hacer un alfiler al día, y desde luego no podría confeccionar más de veinte. Pero dada la manera como se practica hoy en día la fabricación de alfileres, no sólo la fabricación misma constituye un oficio aparte, sino que está dividida en varios ramos. [...] Un obrero estira el alambre, otro lo endereza, un tercero lo va cortando en trozos iguales, un cuarto hace la punta, un quinto obrero está ocupado en limar el extremo donde se va a colocar la cabeza…, y así hasta bañarlos de estaño, secarlos, bruñirlos y empaquetarlos.

En suma la fabricación de un alfiler implicaba unas 18 operaciones distintas. Adam Smith y más tarde Carlos Marx dirán que la creciente productividad en tiempo se debe a la división del trabajo. De esta empresa “de poca importancia” surgió pues uno de los conceptos fundamentales del modo de producción capitalista 

Espinas

Los alfileres representan uno de los primeros inventos del hombre, puesto que hace diez mil años ya se fabricaban con espinas de pescado o astillas de madera.  Alrededor de 3.000 años a.C., los sumerios ya habían fabricado alfileres rectos de hierro y hueso, y hay textos sumerios que también revelan el uso de agujas con ojo para coser.  En el siglo VI a.C., griegos y romanos se sujetaban las túnicas a la altura del hombro con una fíbula. Ésta era una aguja innovadora cuya parte media formaba una espira y producía tensión, facilitando una sujeción y una abertura. La fíbula era un paso más en dirección al moderno alfiler imperdible.   La palabra deriva de la voz árabe alfilel o aljilel, que significa astilla aguda. Su nombre latino, spina, permite suponer que en su forma primitiva fue una mera espina o espiguilla destinada a sujetar. Su nombre se documenta en castellano en el siglo XIV. En el Libro del Buen Amor, de Juan Ruiz de Alarcón, el Arcipreste dice: “La buhona con harnero va tañendo cascabeles/meneando con sus joyas sortijas con alfileres”.

Silenciosamente las alfileres atraviesan la historia, y hasta sirvieron para especular en la Edad Media, cuando mujeres de todas clases sociales los compraban para revenderlos posteriormente, a sabiendas de que era un producto básico que, por entonces, escaseaba. Con el nombre de “dinero para alfileres” se conocían antiguamente las donaciones que el marido hacía a su mujer para sus gastos personales como vestidos, ropa blanca, calzado, sombreros y accesorios.

Distancias

Tracatracatracatraca

decía la máquina

en linea recta

Nuestras palabras

en cambio

caracoleaban

telas

hilos

botones

Y pasaba la tarde

con nosotras allí

tranquilas

de sabernos cerca

A solo una puntada de distancia

 

Claudia Stella   

http://stellitacuenta.blogspot.com  

Las últimas mandarinas

High Priestess of Soul

Cuando parecía destinada a convertirse en una vieja gloria sólo recordada por nostálgicos, un espectacular rebrote de fama le llegó de forma inesperada en 1987. My baby just cares for me, una vieja canción que aparecía en su primer disco, publicado hacía ya treinta años, se convirtió en el tema escogido para una campaña de publicidad del perfume Chanel Nº 5 para la televisión británica. Alcanzó el quinto puesto en las listas de ventas de Gran Bretaña. El éxito en toda Europa la devolvió a la luz pública, y se prodigó en colaboraciones con artistas como Pete Townsend, Maria Bethânia o Miriam Makeba. En 1992 apareció su música en la película Point of no return, inspirada en su propia vida. En 1993, año en que se instaló definitivamente en el sur de Francia, publicó su último álbum en estudio, A single woman, que contenía otro clásico de la canción francesa, "Il n’y pas d’amour heureux".   Nina Simone falleció el 21 de abril del 2003 en su casa de Carry-le-Rouet.

Attractive people

Slim Aarons firma algunas de las fotografías más fascinantes e icónicas del S.XX, su estilo sofisticado, glamoroso y elitista es un clásico.

Slim nace en Manhattan el 29 de octubre de 1916.  En 1935 haciendo el servicio militar  se convierte en el fotógrafo oficial de West Point, una base militar cercana a Nueva York, y durante los años de la Segunda Guerra Mundial se convierte en fotógrafo de guerra.  Luego de 1945 comienzan las colaboraciones con Vogue, Harpers Bazaar y Vanity Fair. Durante esa época conoce a todas las estrellas hollywoodenses y se convierte en uno de los miembros del Jet-Set, que se dejan fotografiar por él sin ningún tipo de reparo.  Si Truman Capote fue el cronista de esa época, las fotos de Slim Aarons son el testimonio gráfico de esos veranos en Portofino, la Costa Brava o Atenas y de esos inviernos en Gstaad, Aspen o California.  Dicen que Hitchcock se inspiró en él para el personaje del gran James Stewart en “La ventana indiscreta”, incluso el apartamento es un calco del de Aarons.

La fotografía de Slim Aarons se califica muchas veces como vacía o frívola, pero es que no intenta ir más allá, capta el lujo por el lujo, la belleza por la belleza, es decir, puro narcisismo, su lema era “photographing attractive people, doing attractive things in attractive places”. Ricos, guapos y famosos.

Maestros: Jeanne Lanvin

Jeanne Lanvin nació el 1 de enero de 1876 en París, la mayor de once hermanos, empezó a trabajar a los 13 años como chica de los recados; luego pasó a ser costurera y finalmente modista. A los 18 años abrió una sombrerería propia, pero es tras la maternidad que comenzará su verdadera carrera en la moda.

El amor por su pequeña hija hizo que Lanvin diseñara delicados vestidos en colores alegres, que se oponían de manera radical a las simples miniaturas de la ropa para adultos que llevaban los niños de la época. Sus ricas clientas se fijan en ella. Pronto le pedirán que reproduzca los modelos para sus propias proles. De vestir a las hijas a vestir a las madres no habrá más que un paso. Supo crear un estilo original, exento de revoluciones vistosas, pero acorde a la sensibilidad de la época, que desarrolla un excepcional refinamiento de motivos entrelazados en pasamanería, bordados de gran virtuosismo, adornos con perlas de armonías florales, ligeras y frescas.  Introdujo en la moda un nuevo tema: la juventud, sus patrones sencillos e inocentes y sus colores vivos daban a las mujeres un aspecto femenino y romántico. Sus vestidos tobilleros  han pasado a la historia de la moda como robes de style (inspirados en el siglo XVIII)

A partir de 1923, el imperio construido por Lanvin incluye también  una fábrica de tintes. En ella se elaboran aquellos hábiles colores, sutiles y singulares, que darán reputación a la “paleta Lanvin”  Famosa por la delicadeza de sus cortes y su inimitable estilo en moda femenina, presento su colección en New York en 1939. Cuando muere en 1949, su  única hija Marie-Blanche se hace cargo de la dirección, y a partir de los años `50 muchos diseñadores se han hecho cargo de la dirección artística, entre ellos Giorgio Armani .  Lanvin es una de las pocas firmas que con más de un siglo de historia sigue siendo propiedad de los herederos de su fundadora.

¿De qué hablan...?

...¿De qué hablan los jóvenes de 1968- con las melenas bárbaras y las chaquetas eduardianas, de estilo vagamente militar, y que cubren miembros  infelices como el mío?

¿De qué hablan, si no de literatura y de pintura?

Y esto qué significa, si no invocar desde el fondo más oscuro de la pequeña burguesía al Dios exterminador, para que la hiera una vez más con golpes aun mayores que los asestados en 1938. Solamente nosotros, los burgueses, sabemos unirnos al populacho, y los jóvenes extremistas, apeándose de Marx y vistiéndose en el mercado de la Pulgas, no hacen otra cosa que aullar como generales e ingenieros contra generales e ingenieros.

Es una lucha intestina.

Quien muriera realmente de consunción, vestido de mujik, antes de cumplir siquiera dieciséis años, sería el único, quizá, que tendría razón.

Los otros se asesinan entre sí.

Pier Paolo Pasolini    Teorema        

Sombreros vs lentes oscuras

Los antiguos utilizaban globos de vidrio llenos de agua para ver más grandes las letras y los objetos y, según Marco Polo, las gafas se usaban en China, en la corte de Kublai Khan. En Europa, los primeros anteojos fueron realizados hacia 1250. Se hacían puliendo los vidrios para darles curvatura.

Hay diferentes opiniones sobre quién fue su inventor. Unos creen que fue, en 1285, el florentino Silvino Degli Armati, en cuya tumba, de 1317, dice: “Aquí yace Silvino Degli Armati, de Florencia, inventor de los anteojos. Que Dios le perdone sus pecados. Año MCCCXVII” . Otros opinan que el inventor fue el filósofo y científico inglés Roger Bacon (1214-1294).

Carol Lombard

Marlene Dietrich

Las gafas de sol se inventaron a finales del XIX, pero la moda de las lentes oscuras no se afirmó hasta la década de 1930, al mismo tiempo que desaparecían de la moda femenina los sombreros de ala ancha, que también cubrían el sol.

Aunque nunca dejaron de lucir sombreros, las actrices de Hollywood difundieron rápidamente la nueva moda

Las cintas

Femme au ruban de velours      A. Modigliani    

Cuesta trabajo imaginar el importante papel que las cintas han desempeñado en el vestido desde el siglo XV hasta la actualidad.

Mazarino, ministro de Luis XIV de Francia, intentó reconducir las finanzas restringiendo el consumo superfluo. Prohibió, entre otras cosas, los bordados de oro y plata de los trajes de los que no pertenecieran a la familia real o a la más alta nobleza. Entonces, los cortesanos y sus imitadores burgueses se desquitaron con las cintas, hasta el punto de que su empleo se convirtió en una verdadera locura. Para resaltar la blancura de la piel, las damas elegantes se anudaban alrededor del cuello una cinta de terciopelo negro realzada con una rosa. Después de la Revolución, estas mismas cintas se llevaban de satén rojo, “a la guillotina”.

La verdadera feminidad

En aquella época me hallaba convencida de que las mujeres debían de ser muy débiles, físicamente, y que una especie de languidez, una perpetua convalecencia constituía la característica de la verdadera feminidad.  Segura de que una mujer capaz de desmayarse a menudo era perfecta, una noche me acosté con una mano cerca de la garganta, imaginándome desmayada.       

 Cuadernos de infancia      Norah Lange             

El teatro de la moda

1945. Despojada de todo, con la economía nacional arruinada y los combates prosiguiendo más allá de las fronteras, Francia, retoma el gusto por la vida.

La Cámara Sindical de la Costura Parisina organiza una exhibición excepcional, mostrando la vitalidad intacta de todas sus industrias.

Desgraciadamente y  a pesar de que los recursos humanos y el savoir-faire siguen con vida, la costura ya no dispone de los materiales indispensables para una exposición de prestigio. La solución: presentar la nueva moda con muñecas vestidas todas ellas por los grandes nombres del lujo parisino.

Éliane Bonabel es la encargada del crear la pequeña silueta de alambre, con una altura de 70 cm. Cada cabeza será distinta y esculpida en yeso blanco. El pintor y decorador Christian Bérard se impone como director artístico del proyecto. Se suman coreografos, iluminadores y escenógrafos.

Desde el conjunto deportivo hasta el vestido de baile, cada modelo se realiza con su ropa interior y sus complementos. Minúsculos ojales cosidos a mano, microscópicos, abotonan cada botón. Los sombreros tienen la medida de una moneda. Diminutos zapatos de piel lucen la marca de los grandes zapateros a medida. Pieles, bordados, plumas o joyas acompañan las cabelleras de seda onduladas. En 13  decorados, como si se tratara  de teatros autónomos,  y con acompañamiento musical, las 237 muñecas asombran a todo París la noche del 27 de marzo de 1945.

Al llegar la primavera "El teatro de la moda" cruza el Atlántico y deja sin palabras a la prensa  de los Estados Unidos. 

Al año siguiente, tiene lugar el advenimiento del New Look instaurado por Christian Dior. La alta costura, in extremis, firma un nuevo contrato con el éxito.

Holidays!

...En realidad fue Else Simon quién nos insistió para tomar la fotografía. Nosotras solo queríamos pasear por la costanera mostrando nuestros nuevos trajes de baño.

Yva

Ridículos

En la antigüedad, desde los romanos hasta las cruzadas, el bolso más usado, tanto por hombres como por mujeres, era la bolsa monedero, que se cerraba con un cordón. 

En el siglo XVI, las mujeres ocultaban sus objetos en los pliegues de la falda, o en las mangas, pero en el XVII aparecieron los bolsillos, que no se cosían al vestido, sino que se ataban a la cadera.  En París, en 1790, la moda del estilo Imperio, que no permitía estos bolsillos, hizo aparecer el bolso. En realidad lo que se hizo fue ponerle correa al bolsillo. Estos primeros bolsillos exteriores se llamaron “retículos”, del latín reticulum, pero la prensa francesa que criticaba que una prenda interior se convirtiera en exterior, los rebautizó como “ridículos”. Hacia 1805 no había ya mujer que no saliera de casa sin su bolso. 

Tras la II Guerra Mundial, cuando la mujer se incorporó decididamente al mundo laboral, se puso de moda el bolso de bandolera, que dejaba las manos libres.

... llegadas y regresos...

La última mirada      

Sierra de la Ventana

Noviembre-Diciembre 2008

Cerrado por rodaje

Luz, cámara, acción!

Schiap, West y los surrealistas

Fue en Plaza Vendome donde en 1935, la italiana Elsa Schiaparelli funda su casa de alta costura, y desde allí lanza entre otras vestimentas chic e insólitas, el vestido telescópico, el botón cangrejo, el cuello cisne y el sombrero con forma de chuleta, además del más célebre de todos, el que Dalí y Gala conciben para ella: "Mujer cien cabezas": un sombrero con forma de zapato de tacón.

Schiaparelli no cesará de mantener un estrecho contacto con muchos artistas contemporáneos. Ellos enriquecieron sus colecciones de manera evidente. Así, el lanzamiento de cada uno de sus perfumes será la ocasión de lo que entonces todavía no se conocía como choque mediático. Shocking, perfume destinado a todas aquellas que no quieren pasar desapercibidas, esta envuelto en un papel de un violento rosa fucsia. Color al que después añade su nombre. El frasco adopta las formas, abundantes, del busto desnudo de Mae West, peinada con un ramos de flores y ceñida con una cinta métrica de costura. 

Ultimos gritos, últimos susurros

GRITOS Y SUSURROS  de Ingmar Bergman

Sabrina Gómez como Agnes

Clarisa Hernández como Karin

Florencia Savtchouk como María

Nadia Marchione como Anna

Diseño de escenografía: Sol Soto

Diseño y realización de vestuario: César Taibo

Diseño de iluminación: Omar Possemato

Diseño gráfico: http://www.dalmiro.com

Asistentes de dirección: Laura Correa, Mauro Antón, Luciana Sanz

Adaptación y Dirección:  Francisca Ure

Jueves 21 hs  Beckett Teatro 

Guardia Vieja 3556   Tel: 4867- 5185

Déjese caer disimuladamente

Durante el siglo XV, los marinos franceses volvían de Oriente con grandes cuadrados de tela de lino que usaban los campesinos chinos para protegerse del sol. Las francesas, impresionadas por la calidad de la tela, los adoptaron, dándoles el nombre de "couvrechevet".                                                                            

El pañuelo pasó de Francia a Inglaterra, y su nombre evolucionó a "kerchief" y, más tarde, debido a que se llevaban en la mano hasta el momento de usarlos, a "handkerchief"                                      

Puesto que las europeas ya usaban sombreros para protegerse del sol, el pañuelo fue, desde el principio, un capricho de la moda. Esto resulta evidente en numerosos grabados y pinturas, en las que los pañuelos, exquisitamente adornados, tan sólo se usan para despedirse o para dejarse caer disimuladamente.        

En el siglo XVI, los pañuelos de seda, decorados con hilos de plata y oro, llegaron a ser tan caros que, a menudo, se incluían en los testamentos como objetos de gran valor.

Maestros: Ruth Morley

Annie Hall. 1977. New York y la moda. Una combinación inmejorable de la que Woody Allen supo hacer uso en éste, uno de sus más aclamados films.  Junto con su actriz fetiche de la época, Diane Keaton, se despacharon con una magnífica comedia. El foco de atención hay que ponerlo en Annie (Keaton), la adorable ex novia y objeto de desconsuelo de Alvy (Allen). Su forma tan simpática y original de vestirse acaparó la atención de millones de mujeres que convirtieron su look en el nuevo must de fines de los 70’s. De más está decir que este “look", tan femenino como masculino, tan novedoso como fresco, se diseminó por todas las tiendas. Las hombreras, los chalecos y pantalones de hombre, ocurrentemente combinados con corbatas, sombreros y tiradores fueron creados por la vestuarista Ruth Morley y el diseñador Ralph Lauren.  Un look andróginamente a la moda  por el que Diane Keaton ganó un Oscar. 

Mujeres fantasma

El término burka  (del árabe, برقع ) puede referirse a dos formas de ropa tradicional usadas por las mujeres en algunos países musulmanes.

La primera es un tipo de velo que se ata a la cabeza y que cubre la cara a excepción de una raja en los ojos para que la mujer pueda ver a través de ella.  La otra es una prenda conocida como burka completo, burka afgano o, en ocasiones, chador (چادر), el cual cubre el cuerpo y la cara por completo.                                              Ambas clases de burka son utilizados por algunas mujeres musulmanas como una interpretación del código de vestido del hiyab que establece que debe cubrirse la mayor parte del cuerpo y que en la práctica se manifiesta con distintos tipos de prendas, según zonas y épocas.

El burka completo fue hecho obligatorio en Afganistán bajo el mandato de los talibanes, imponiéndose de esta forma un tipo de prenda ya que cubre los ojos con un 'velo tupido' que impide que quien la usa pueda ver normalmente, puesto que el "enmallado" que la compone limita la visión lateral haciendo perder la ubicación espacial y ejerciendo una fuerte presión (peso) sobre la cabeza.

La introducción de esta prenda se produjo en Afganistán a principios del siglo XX, durante el mandato de Habibullah (1901-1919), quien impuso su uso a las mujeres que componían su numeroso harén, para evitar que la belleza del rostro de estas tentara a otros hombres. Así pues el burka se convirtió en una vestimenta utilizada por la clase alta, quien de este modo se "aislaba" del pueblo llano, evitando así su mirada. En la década de los 50 su uso se generalizó en la mayoría de la población, si bien seguía siendo una prenda de las clases acomodadas. 

Arrastrando los pies, los kabulíes, envueltos en la delgada túnica que les sirve de manto, deambulan por las calles. Hay hombres, pero pocas mujeres, que como fantasmas avanzan rozando las paredes en grupos de dos o de tres, ocultas bajo el chadri, un velo total que sólo deja pasar su mirada a través de una rejilla de tela.

El hombre perfumado

Ya en las tumbas egipcias se han hallado jarrones con ungüentos perfumados. A partir de la mitad del siglo I a.C., los romanos usaron algunos cosméticos como el kohl, la tiza o el colorete. El término “perfume” tiene precisamente su origen en el latín “per fumo”, es decir, “por el humo” ya que muchas sustancias odoríferas se propagaban quemándolas. En Europa la cosmética se generalizó en la Edad Media, traída desde oriente por los cruzados.

Las principales materias primas para lograr las esencias son:

•  animales (almizcle, algalia, ámbar gris y castóreo).

•  vegetales (hojas de salvia, tomillo y menta, corteza de canela, cáscara de naranja, madera de cedro y sándalo, raíces de lirio, pétalos de rosa, violeta y otras flores, y gomas resinosas segregadas por el alcanfor y la mirra).

La extracción de los perfumes naturales se hace por destilación, extracción y exprimido.

Existen cinco tipos de perfumes:

1.  Florales frescos: realzados por notas florales como la del lirio (nº 19 de Chanel, Anaïs Anaïs)

2.  Florales florales: corazón de la perfumería. Contienen flores naturales, rosas o flores blancas (Joy de Patou, Contradictions de Calvin Kelin).

3. Florales aldehidos: que contienen un componente sintético que realza ciertas notas florales (Nº 5 de Chanel, Arpège de Lanvin)

4.  Florales suaves: fabricados a partir de flores espirituosas enfatizadas por un punto de vainilla (Poison de Dior, Noa de Cacharel).

5.  Chipres: Son en realidad aldehidos grasos. Contienen bergamota, y se dividen en tres familias:

5.1.  Chipres afrutados:con notas de frutos amarillos (Mitsouko de Gerlain, Femme de Rochas).

5.2.  Chipres chipres: que asocian la rosa con notas de madera (Miss Dior, Vol de Nuit de Gerlain).

5.3.  Chipres frescos: aliñados con notas verdes (Eau de Rochas, Ô de Lancôme)

El perfume creado aquel día por Grenouile fue muy singular. No había existido hasta entonces otro más singular en el mundo. No olía como perfume, sino como un hombre perfumado. Si alguien hubiera olido este perfume en una habitación oscura, habría creído que en ella estaba otra persona. Y si lo hubiera usado una persona que ya oliera como tal, el efecto olfativo habría sido el de dos personas o, aún peor, el de un monstruoso ser doble, una figura que no puede observarse con claridad porque se manifiesta difusa como una imagen del fondo del mar, estremecida por las olas.

El perfume / Patrick Suskind